Dalla fin'amor provenzale alla scuola siciliana, da Guinizzelli allo Stilnovo di Dante
0. Guida alla lettura
Questa dispensa segue un percorso in quattro tappe, che coincidono con i quattro testi dell'immagine che accompagna il lavoro in classe:
«Amor è uno disìo che ven da core»: Giacomo da Lentini, scuola siciliana);
«Voi che per li occhi mi passaste 'l core»: Guido Cavalcanti;
«Al cor gentil rempaira sempre amore»: Guido Guinizzelli, il manifesto della nuova poesia;
«Donne ch'avete intelletto d'amore»: Dante, dalla Vita nova.
Il filo conduttore è una trasformazione: l'amore passa dall'essere un desiderio che fa soffrire (modello provenzale e siciliano) a una forza che nobilita e che si esprime nella lode della donna (Guinizzelli, Dante). Ci chiederemo, per ogni autore, quattro cose: dove nasce l'amore? che cosa fa la donna? che cosa fa il poeta? a chi si rivolge il testo?
Cronologia essenziale
fine XI sec.: Guglielmo IX d'Aquitania, il primo trovatore noto;
1230 ca – 1250 ca: scuola siciliana alla corte di Federico II;
1250 ca – 1280 ca: poeti siculo-toscani (Guittone d'Arezzo, Bonagiunta Orbicciani);
1260-1276: attività di Guido Guinizzelli a Bologna (muore nel 1276);
1280-1300: Firenze, Guido Cavalcanti, Dante, Lapo Gianni, Cino da Pistoia;
1292-1295 ca: Vita nova di Dante.
Nota sui testi. I versi sono citati in grafia leggermente normalizzata: i testi duecenteschi ci sono giunti attraverso manoscritti tardi e spesso toscanizzati, perciò ogni edizione offre lezioni un po' diverse.
1. Il modello: la lirica provenzale e la fin'amor
Il contesto
La lirica dei trovatori nasce alla fine dell'XI secolo nelle corti feudali del Sud della Francia ed è scritta in lingua d'oc (provenzale). Era poesia cantata: il trovatore (da trobar, «trovare, inventare») componeva insieme testo e melodia. Dopo la crociata contro gli Albigesi (iniziata nel 1209) molti poeti lasciarono la Provenza e trovarono accoglienza nelle corti dell'Italia settentrionale (Monferrato, Este, Malaspina): per questa via il modello arriva in Italia, dove poeti come Sordello da Goito scrivono addirittura in provenzale.
I caratteri dell'amore trobadorico
La fin'amor (l'«amore perfetto, raffinato») è costruita sul lessico feudale:
il poeta è il vassallo della donna, che chiama midons («mio signore», al maschile: la donna ha il ruolo del signore);
l'amore è servizio (servir), che attende una ricompensa (merces, «mercé», pietà) che può non arrivare mai;
la donna è di rango superiore, spesso sposata: l'amore è quindi adultero, inappagato e segreto, minacciato dai lauzengiers (maldicenti) e dai gilos (gelosi); il poeta nasconde il nome dell'amata dietro un senhal, uno pseudonimo;
la tensione tra gioia (joi, l'esaltazione che l'amore dà anche senza possesso) e dolore (l'attesa, l'umiliazione) è il motore dei testi;
ideali di misura (mezura) e cortesia (cortezia): l'amore educa chi lo prova.
Tre voci esemplari: Guglielmo IX (che sa essere anche osceno e ironico: la lirica nasce meno solenne di come poi la si ricorderà); Jaufré Rudel, con l'amor de lonh («amore da lontano») per una donna mai vista; Bernart de Ventadorn, la cui allodola che sale al sole e si lascia cadere (Can vei la lauzeta mover) è il simbolo di un desiderio che consuma. Con Arnaut Daniel (il «miglior fabbro del parlar materno» per Dante) la ricerca formale diventa virtuosismo: rime rare e difficili (trobar clus).
Uno sguardo critico
L'espressione «amor cortese» è una invenzione critica moderna: la lancia nel 1883 Gaston Paris, a proposito del romanzo di Chrétien de Troyes su Lancillotto. I trovatori parlano di fin'amor. Le spiegazioni dell'origine di questa poesia sono molte e non si escludono: influsso della poesia arabo-andalusa, derivazione dal culto mariano e dalla liturgia, trasposizione del rapporto feudale in ambito amoroso, gioco di corte in cui i giovani cavalieri senza terra cercavano protezione e carriera attraverso l'omaggio alla signora. Conviene diffidare di due luoghi comuni: che i trovatori cantino un amore «puro» e spirituale (spesso il desiderio è fisico e dichiarato) e che il testo sia una confessione autobiografica (è un codice letterario, con regole condivise, riconoscibile dal pubblico e sintetizzato nel trattato in latino De amore di Andrea Cappellano).
2. La scuola siciliana: l'amore come sofferenza
Un'esperienza irripetibile
La scuola siciliana è il primo nucleo di poesia lirica in volgare italiano. Fiorisce alla corte di Federico II (imperatore e re di Sicilia, morto nel 1250), tra Palermo e la Puglia, e tra i suoi nomi ci sono Giacomo da Lentini (il «Notaro»), Pier della Vigna, Guido delle Colonne, Rinaldo d'Aquino, Stefano Protonotaro, lo stesso Federico II e il figlio Re Enzo. Il termine «scuola» è comodo ma fuorviante: non c'è un maestro né un programma, e il fenomeno dura poco più di una generazione.
Un progetto politico. La scuola siciliana non è soltanto un fatto letterario. Federico II governa un regno multietnico e multilingue (latino, greco, arabo, ebraico, francese normanno, volgari meridionali) e, tra il 1220 e il 1250, lavora per farne uno Stato compatto e centralizzato: le Costituzioni di Melfi (1231) danno al regno un diritto unico, nel 1224 fonda a Napoli un'università per formare in casa i propri giuristi, e una burocrazia di funzionari fedeli al sovrano prende il posto dei poteri feudali locali.
In questo disegno i poeti-funzionari non sono cortigiani di passaggio, ma uomini della cancelleria: la poesia è un segno di prestigio e di appartenenza, una cultura condivisa che tiene insieme il ceto dirigente. Anche la scelta del volgare siciliano appare lungimirante: invece del latino della Chiesa e delle scuole (la lingua dell'avversario politico, il papato) Federico sostiene una lingua del regno, nobilitata e unitaria, capace di dare identità comune a una compagine eterogenea. Dante stesso collega la fortuna del siciliano al «regale solium» (la sede regale) di Federico e di Manfredi (De vulgari eloquentia, I, 12).
Va detto però con cautela: non abbiamo un documento in cui Federico ordini un programma linguistico o culturale. L'obiettivo politico è una interpretazione storiografica, plausibile e diffusa, non un fatto documentato; e il pubblico reale restava ristretto, poche decine di funzionari, senza alcuna diffusione popolare.
Tre aspetti del contesto spiegano molte scelte:
chi scrive: sono in gran parte funzionari e notai della cancelleria imperiale, non cavalieri feudali. Mancano quindi la società di corte, i maldicenti, il marito geloso: il vocabolario feudale sopravvive, ma privato del suo fondamento sociale. L'amore diventa un esercizio di analisi, svincolato dalla vita reale;
come circola: la poesia non è più cantata. Si parla di «divorzio tra musica e poesia» (Roncaglia): i testi sono fatti per essere letti. In questo senso Giacomo da Lentini, a cui si attribuisce l'invenzione del sonetto, crea una forma pensata per la pagina, breve, compatta, adatta al ragionamento;
in che lingua: un siciliano illustre, ripulito dai tratti troppo locali e arricchito di latinismi e provenzalismi. Quasi tutti i testi sono arrivati attraverso copisti toscani che li hanno toscanizzati; resta come eco la cosiddetta «rima siciliana», perché nei testi toscanizzati i ed e o u ed o toniche rimano tra loro (distrutto / sotto), cosa che in siciliano era normale. Dante, nel De vulgari eloquentia, riconosce che tutto ciò che i poeti italiani scrivevano prima di lui «si chiama siciliano».
L'amore: una dottrina del desiderio
L'esempio più interessante è proprio il sonetto di Giacomo da Lentini, risposta a una tenzone (una disputa poetica) con Pier della Vigna e Iacopo Mostacci, che si erano chiesti che cosa sia amore, se esista come sostanza o sia solo un accidente. La risposta di Giacomo è una definizione:
Amor è uno disio che ven da core
per abondanza di gran piacimento;
e li occhi in prima generan l'amore
e lo core li dà nutricamento.
Leggiamola con attenzione. L'amore è un desiderio (disio: mancanza, tensione verso ciò che non si possiede); nasce dalla vista della bellezza e si alimenta nel cuore. È una definizione quasi «scientifica», debitrice della cultura medica e filosofica del tempo e, per il suo impianto, vicina a quella del trattato De amore di Andrea Cappellano, per cui l'amore è una passione che nasce dalla vista e dal pensiero insistente sull'altro sesso. Il tema occhi → cuore diventerà un tòpos della lirica italiana, e lo ritroveremo proprio in Guinizzelli e in Dante.
Sul versante dell'amore come sofferenza i Siciliani riprendono dai provenzali il repertorio (il fuoco, la ferita, il «morire» d'amore, l'invocazione di mercé) ma lo trasformano:
il poeta si osserva e si descrive. In Meravigliosamente / un amor mi distringe Giacomo racconta il proprio stato d'animo come un fenomeno incontrollabile, e per rendere l'immagine ricorre a un paragone «da bestiario» (il basilisco che muore vedendosi nello specchio, la calamita, la salamandra): metafore prese dalla scienza naturale medievale, non dal mondo di corte;
l'amore è sentimento solitario: poco dialogo con la donna, nessuna trama;
la donna è figura quasi astratta: bella, bionda, luminosa, silenziosa; ha i tratti di un ideale più che di una persona. Un solo cenno, in Io m'aggio posto in core a Dio servire, dove Giacomo dice che in paradiso non vorrebbe andare senza di lei («Sanza mia donna non vi voria gire, / quella c'ha blonda testa e claro viso»): la bellezza della donna rivaleggia con il paradiso. Il germe di una sacralizzazione dell'amore, che Guinizzelli e Dante svilupperanno, è già qui, ma non è ancora il tema dominante.
Una nota critica sul «provenzalismo» dei Siciliani
È spesso detto che i Siciliani «imitano» i provenzali. È una verità a metà. Mutuano il repertorio di immagini (servizio, mercé, fuoco, sofferenza), ma ne cambiano la funzione: tolto il contesto feudale, impossibilitati dal potere monarchico a trattare temi politici, la fin'amor diventa un modello psicologico, uno strumento per parlare dell'interiorità. È ciò che Gianfranco Contini ha chiamato, con una formula celebre, il passaggio a una poesia più «astratta» e concettuale. Il difetto del sistema è la ripetitività: i temi sono pochi, gli schemi ricorrono, la lirica rischia di diventare un esercizio. Il pregio è l'ampiezza di prospettiva: si crea una lingua poetica, una tradizione e un pubblico.
Tra i Siciliani c'è anche chi si distingue: Rinaldo d'Aquino introduce la voce femminile (la donna che si lamenta per l'amante lontano, crociato); Stefano Protonotaro è l'unico di cui possediamo un testo in siciliano originale (Pir meu cori alligrari).
3. Dalla Sicilia alla Toscana: Guittone e i siculo-toscani
Dopo la morte di Federico II (1250) e la sconfitta degli Svevi (Benevento, 1266), la poesia passa nei comuni toscani. I poeti siculo-toscani (Bonagiunta Orbicciani da Lucca, Chiaro Davanzati, Guittone d'Arezzo) conservano il repertorio siciliano ma lo piegano alle esigenze di una società comunale: più dibattito politico e morale, più attenzione alla retorica.
Il nome decisivo è Guittone d'Arezzo (c. 1235–1294), che dopo una conversione religiosa diventa «frate gaudente» e rifiuta la poesia d'amore tradizionale in favore di temi morali, politici, religiosi, con uno stile oscuro, ricco di latinismi e giochi verbali (trobar clus). Guittone fu il grande modello dei contemporanei: per questo Dante e i suoi amici lo prenderanno come bersaglio polemico. Nel canto XXIV del Purgatorio Bonagiunta riconosce che il «nodo» che trattenne lui, Guittone e il Notaro «di qua dal dolce stil novo» è una certa incapacità di aderire al dettato interiore dell'amore: è il primo «manifesto» del nuovo stile, formulato in un testo di Dante a distanza di vent'anni.
4. Guido Guinizzelli: la teoria dell'amore e la poesia della lode
Guido Guinizzelli (Bologna, c. 1235 – 1276) è giurista, legato all'ambiente dello Studio bolognese, il più importante centro universitario d'Europa. È la sede di una cultura filosofica molto più viva di quella della Sicilia e della Toscana: qui si discute di Aristotele, di fisica, di psicologia della conoscenza, e questa cultura entra nella lirica. Dante lo chiamerà, con rispetto filiale, «il padre / mio e de li altri miei miglior che mai / rime d'amore usar dolci e leggiadre» (Purg. XXVI).
4.1 Il punto di partenza: l'amore-sofferenza (e un'avvertenza sull'attribuzione)
Guinizzelli non parte dal nulla: nelle sue rime più tradizionali l'amore è ancora una potenza che assale e fa soffrire. Nel sonetto Lo vostro bel saluto e 'l gentil sguardo il saluto e lo sguardo della donna «ancidono» l'innamorato, come nel repertorio siciliano e provenzale. Il suo contributo originale non sta qui, ma nel modo in cui, in altri testi, trasforma questa materia in una poesia di lode (§ 4.2) e in una teoria dell'amore (§ 4.3).
Attenzione. Il sonetto Voi che per li occhi mi passaste 'l core (la seconda tavola nell’immagine) non è di Guinizzelli, ma di Guido Cavalcanti. La confusione è frequente: i due Guido sono vicini per cultura e per lessico (occhi, cuore, spiriti, dardo), ma Cavalcanti ne offre una lettura molto più cupa. Lo analizziamo nel § 5, dove si mostrano bene le due anime dello Stilnovo: quella di Guinizzelli e di Dante (l'amore che nobilita) e quella di Cavalcanti (l'amore che annienta).
4.2 Io voglio del ver la mia donna laudare: la lode
Il primo verso di questo sonetto è un programma poetico: «Io voglio del ver la mia donna laudare / ed asembrarli la rosa e lo giglio». Il poeta non si lamenta più, non chiede più mercé: loda. La donna è paragonata a ciò che di più luminoso e perfetto c'è nel creato (la stella del mattino, il fiore, l'azzurro). La lode è una scelta di campo: il testo non parla del poeta, ma della donna e del suo effetto sul mondo.
4.3 Al cor gentil rempaira sempre amore: il manifesto
La canzone Al cor gentil rempaira sempre amore è considerata il testo fondatore dello Stilnovo. Ha un andamento da trattato in versi: una tesi, esposta e dimostrata strofa dopo strofa attraverso similitudini dedotte dalla filosofia naturale. Vediamo la tesi:
Al cor gentil rempaira sempre amore
come l'ausello in selva a la verdura;
né fe' amor anti che gentil core,
né gentil core anti ch'amor, natura.
L'amore «ritorna sempre» al cuore gentile (rempaira: «dimora») come l'uccello al verde del bosco; e i due sono coevi e inseparabili (né l'amore è nato prima del cuore gentile, né viceversa). La natura li ha creati insieme, come il sole e la luce, come il fuoco e il calore. È una definizione, nello spirito dei trattati scolastici.
Il percorso della canzone, in sintesi:
Prime strofe: l'amore e la gentilezza coincidono. La «gentilezza» è già in potenza nel cuore e l'amore la porta all'atto, come il fuoco che si accende in una materia pronta a bruciare, o come la virtù di una stella che agisce nella pietra preziosa solo se questa è già «gentil cosa», purificata dal sole.
Strofa polemica: il sole risplende sul fango tutto il giorno, ma il fango resta fango, senza che il sole perda calore. Chi pretende di essere «gentile» per stirpe (per sclatta) è come il fango: la nobiltà non è ereditaria, è una qualità dell'anima. Qui Guinizzelli prende posizione in un dibattito politico e culturale centrale nell'Italia comunale, dove un ceto nuovo (giuristi, mercanti, notai) rivendica un valore diverso dal sangue.
Strofe centrali: sul piano cosmologico, l'«intelligenza» angelica che muove ciascun cielo obbedisce a Dio con perfezione; così anche l'innamorato dovrebbe obbedire alla donna e muoversi verso di lei. La donna è tramite di una perfezione che viene da più in alto.
Strofa finale: il poeta immagina di presentarsi a Dio, che lo rimprovera: hai passato il cielo e sei venuto a me, ma hai adorato una creatura. La risposta del poeta è quasi sfrontata: la donna aveva sembianza d'angelo, non è colpa mia se l'ho amata.
4.4 I canoni dello Stilnovismo
Da questi testi si ricavano i caratteri che definiranno lo Stilnovo:
Gentilezza come nobiltà d'animo: la vera nobiltà è virtù, non sangue.
Equivalenza tra amore e cuore gentile: l'amore può abitare solo un cuore nobile e, d'altra parte, un cuore nobile è per natura destinato ad amare.
Donna-angelo: la donna rispecchia nel mondo una perfezione superiore; è donna angelicata, creatura di tramite verso Dio.
Effetto nobilitante: la donna, con la sola presenza o il saluto, rende migliore chi la guarda; l'amore diventa strumento di perfezionamento morale e spirituale.
Lode disinteressata: il poeta non chiede nulla (nessuna ricompensa, nessuna mercé): scrive per celebrare la donna.
Interiorità e conoscenza: l'amore non è solo passione, è processo conoscitivo, che coinvolge gli «spiriti», le facoltà dell'anima, l'intelletto.
Stile «dolce»: lingua limpida, musicale, lontana dall'oscurità di Guittone e dalle asperità provenzali.
Pubblico selezionato: i testi si rivolgono a una élite di «gentili», che condividono gli stessi valori (nella Vita nova Dante parla di fedeli d'Amore).
4.5 Una lettura critica
La novità di Guinizzelli è meno nei temi che nell'impostazione: prende materiali già noti (la luce, il fuoco, la pietra preziosa, gli occhi) e li ordina in un sistema filosofico coerente. Al tempo stesso c'è una forzatura deliberata. Primo, la gentilezza «naturale» tende, di fatto, a ristabilire un'aristocrazia: non più quella del sangue, ma quella degli spiriti eletti (la poesia resta per pochi). Secondo, l'assimilazione donna-angelo è audace sul piano religioso: Guinizzelli ne è consapevole e infatti chiude con quella scena in cui si giustifica davanti a Dio, con un misto di timore e di ironia. Non è un caso che Dante lo collochi, nel Purgatorio, tra i lussuriosi, pur chiamandolo «padre»: il suo debito è enorme, ma il giudizio morale è riservato.
5. Lo Stilnovo: un «movimento»?
Il nome viene da Dante (Bonagiunta, Purg. XXIV, parla di «dolce stil novo»), ma è la critica ottocentesca (De Sanctis) a fissarlo come etichetta di una «scuola». Oggi si preferisce considerare lo Stilnovo non come un gruppo organizzato, ma come un gruppo di amici-poeti, attivi a Firenze negli anni '80-'90 del Duecento: Guido Cavalcanti, Dante, Lapo Gianni, e, più in là, il pistoiese Cino. Li unisce il nucleo dei canoni di Guinizzelli, ma le differenze interne sono rilevanti.
Cavalcanti (c. 1255–1300) porta all'estremo l'aspetto filosofico e tragico: nella canzone dottrinale Donna me prega l'amore è un «accidente» che risiede nella memoria, ha origine da una forma vista e ne produce effetti di tormento e di morte. Il suo amore è meno una via di elevazione che una forza che annienta («spiritelli» che fuggono, anima dilaniata); la sua donna, anche quando è luminosa e celeste (Chi è questa che vèn, ch'ogn'om la mira), è ammirata con timore e senza alcuna speranza di salvezza.
Cino da Pistoia attenua l'intensità filosofica e porta il dolore in una dimensione più intima, preparando la lirica di Petrarca.
Dante assorbe i canoni, ma li innesta in un progetto di ampiezza e ambizione ben maggiore, come vedremo.
Un documento prezioso del clima di amicizia è il sonetto di Dante Guido, i' vorrei che tu e Lapo ed io / fossimo presi per incantamento: il desiderio di una navigazione fuori dal mondo, in compagnia delle donne amate, tra amici che condividono lo stesso ideale. Anche qui l'élite sceglie sé stessa.
«Stil novo» e «dolce»: che cosa è nuovo e che cosa è dolce
L'espressione dolce stil novo compare nel canto XXIV del Purgatorio (vv. 49-62), dove Bonagiunta capisce di essere rimasto «di qua» dallo stile nuovo. Contiene due aggettivi che indicano due piani diversi, e conviene tenerli distinti.
«Novo»: la novità dei contenuti e della poetica. Il nuovo sta innanzitutto nei concetti, cioè nei canoni visti al § 4.4: la gentilezza come nobiltà d'animo e non di sangue; l'identità di amore e cuore gentile; la donna-angelo; l'amore che nobilita; la lode disinteressata al posto della richiesta di mercé; l'amore come esperienza interiore e conoscitiva, spiegata con la filosofia del tempo (Aristotele, la dottrina degli spiriti, le intelligenze angeliche). È nuovo anche nell'idea stessa di poesia: per Dante il poeta è «un che, quando / Amor mi spira, noto», cioè trascrive ciò che Amore detta dentro. La parola poetica traduce fedelmente un'esperienza interiore, non è un gioco retorico né un mosaico di formule. È il metro con cui Dante misura la distanza da Guittone e dal Notaro.
«Dolce»: la qualità dello stile. L'aggettivo riguarda la forma (il trobar leu). «Dolce» indica una lingua limpida e scorrevole, senza i virtuosismi e le asprezze del trobar clus provenzale e di Guittone; un lessico scelto, di parole morbide e sonore (Dante, nel De vulgari eloquentia, le chiama «pettinate», pexa, in opposizione alle «irsute», yrsuta); una sintassi trasparente; un ritmo musicale anche se i testi non sono più cantati; un tono sorvegliato, affabile, che non soffoca il ragionamento. La dolcezza è anche un valore affettivo e morale: è lo stile adatto alla gentilezza di ciò che si canta (si pensi alla «dolcezza al core» di Tanto gentile, § 6.5, e alle rime «dolci e leggiadre» con cui Dante ricorda Guinizzelli).
I due aspetti si tengono: una poetica dell'interiorità e della lode richiede uno stile limpido. Ma conviene non confonderli. La dolcezza da sola può ridursi a maniera, formula ripetuta; ed è sul piano dei contenuti che i poeti si distinguono: Cavalcanti, per esempio, è «dolce» nello stile ma tragico nei contenuti, e il suo amore non nobilita ma distrugge.
Un sonetto di Cavalcanti: Voi che per li occhi mi passaste 'l core
Il sonetto che illustra la seconda tappa del percorso è tra le rime di Guido Cavalcanti (non di Guinizzelli) e mette in scena l'amore come ferita. Gli occhi della donna «passano» il cuore dell'innamorato come un dardo; Amore agisce con tale violenza che i deboli spiriti vitali fuggono, e al poeta restano soltanto un'apparenza esterna e una voce che parla di dolore.
Si noti il secondo verso: con lo sguardo «destaste la mente che dormia». L'amore è anche un risveglio dell'intelletto, come in Guinizzelli; ma per Cavalcanti questo risveglio non porta all'elevazione, bensì alla lucidità sulla propria dissoluzione. Il lessico (occhi, cuore, spiriti, dardo) è comune a tutta la tradizione, ma l'esito è opposto a quello di Guinizzelli e del Dante della lode: qui l'amore disfa il soggetto. Dante riprenderà lo stesso motivo del cuore attraversato dagli occhi in Donne ch'avete intelletto d'amore (§ 6.4), capovolgendone il segno.
6. Dante: la Vita nova e l'applicazione dei canoni
6.1 Un libro sull'amore, e sul modo di scriverne
La Vita nova (1292-95 ca) è un prosimetro: 42 capitoli in prosa che raccontano e commentano 31 componimenti in versi, scritti a partire dal primo incontro con Beatrice (a nove anni, il poeta aveva la stessa età) fino alla promessa di una futura poesia degna di lei. Il libro è, insieme, una storia d'amore e una riflessione sulla poesia: le prose dichiarano di continuo come e perché si scrive.
6.2 La prima fase: sofferenza, saluto, paura
Nella prima parte della Vita nova Dante ripercorre i temi tradizionali: l'amore come signoria di Amore, personificato (il sogno del cuore mangiato in A ciascun'alma presa e gentil core, cap. III), il tremore alla vista di Beatrice, lo smarrimento («battaglia de' sospiri»), la malattia e il presagio di morte. La felicità di Dante dipende dal saluto di Beatrice: quando lei glielo nega, il poeta precipita nella disperazione. Questa dipendenza dal ricambio è ancora il paradigma provenzale-siciliano dell'amore come attesa di mercé.
6.3 La svolta: lo «stilo de la loda»
Nel capitolo XVIII (di cui la canzone è la conseguenza, cap. XIX) un gruppo di donne rivolge a Dante una domanda scomoda: a che fine ami la tua donna, se non puoi sostenere la sua presenza? Dante risponde che la sua beatitudine non è più nel saluto, che può essere negato, ma nelle parole che lodano la donna, cioè in qualcosa che nessuno può togliergli. È il passaggio dall'amore come ricerca di ricompensa all'amore come lode disinteressata: la beatitudine sta nell'atto stesso di lodare. Dante decide di prendere per sé «matera nuova e più nobile che la passata» e di scrivere una canzone in lode della sua donna.
6.4 Donne ch'avete intelletto d'amore
La canzone si rivolge non a un amico poeta né alla donna, ma a donne gentili («che avete intelletto d'amore», cioè che sapete cos'è l'amore, che avete l'intelligenza per capirlo): il pubblico è già selezionato, secondo il canone. Dichiara il proprio scopo con parole che affermano la sua distanza dalla tradizione: non vuole finire la lode («non perch'io creda sua laude finire») ma sfogare la mente.
La struttura può essere schematizzata così:
Proemio: il poeta si rivolge alle donne e dichiara il tema.
Strofa celeste: un angelo, nell'intelletto divino, dice a Dio che in terra si vede un miracolo nell'anima di una creatura che risplende fin lassù, e che il Paradiso desidera; solo la Pietà tiene qualcuno ancora in attesa. Dio risponde che Beatrice resterà ancora sulla terra, per gli uomini che dovranno perderla. Dalle intelligenze celesti arriva a Beatrice una luce che il mondo non merita.
Strofe terrestri: Beatrice è descritta nei suoi effetti sugli altri («Dagli occhi suoi, come ch'ella li mova, / escono spirti d'amore inflammati, / che feron li occhi a qual che allor la guati, / e passan sì che 'l cor ciascun retrova»), con una riscrittura dell'immagine cavalcantiana del cuore trapassato dagli occhi (il sonetto «Voi che per li occhi mi passaste 'l core», § 5), ma capovolgendone il segno: gli spiriti d'amore non annientano, sono luminosi e fanno scoprire l'amore nel cuore di ogni guardante. Chi la vede si nobilita, chi è vile non può sostenerne la vista.
Congedo: la canzone stessa è invitata a rivolgersi a donne gentili.
È la messa in pratica dei canoni: donna-angelo (la sua presenza è un «miracolo»), gentilezza come virtù, effetto nobilitante, lode disinteressata, pubblico d'élite. Ma c'è un'ulteriore novità: in Dante la donna è partecipe del piano divino, non una semplice analogia dell'angelo. Beatrice è desiderata nel Paradiso, non perché somiglia agli angeli, ma perché è già parte del disegno di Dio. La lode raggiunge il suo vertice, più sereno, nel sonetto Tanto gentile e tanto onesta pare, che esaminiamo nel paragrafo seguente.
6.5 Tanto gentile e tanto onesta pare (cap. XXVI): la lode al suo culmine
Il sonetto è uno dei testi più noti della nostra letteratura: rappresenta il punto di arrivo dello «stilo de la loda» e la prova che i canoni funzionano. La prosa del cap. XXVI racconta che, quando Beatrice passava per la strada, la gente accorreva a vederla e chi le era vicino sentiva nel cuore tanta onestà da non osare guardarla né rispondere al suo saluto. Il sonetto dice questo:
Tanto gentile e tanto onesta pare
la donna mia quand'ella altrui saluta,
ch'ogne lingua deven tremando muta,
e li occhi no l'ardiscon di guardare.
Ella si va, sentendosi laudare,
benignamente d'umiltà vestuta;
e par che sia una cosa venuta
da cielo in terra a miracol mostrare.
Mostrasi sì piacente a chi la mira,
che dà per li occhi una dolcezza al core,
che 'ntender no la può chi no la prova;
e par che de la sua labbia si mova
un spirito soave pien d'amore,
che va dicendo a l'anima: Sospira.
Struttura. Le due quartine descrivono l'effetto esterno di Beatrice: il suo saluto fa tremare e tacere (prima quartina) e la sua figura è percepita come un miracolo (seconda). Le terzine passano all'effetto interiore: lo sguardo mette nel cuore una dolcezza che non si può spiegare a chi non l'ha provata, e dalla donna sembra muoversi uno spirito d'amore che invita l'anima a sospirare.
Il poeta scompare. Nel testo non c'è un «io»: c'è solo «la donna mia» e le reazioni di chi la guarda. Il poeta non è più l'innamorato che soffre, ma un testimone che registra un fenomeno. Anche il sospiro finale cambia di segno: nella tradizione precedente era un lamento di pena, qui è la risposta dell'anima davanti a qualcosa di grande.
Il saluto. Nella prima parte della Vita nova il saluto era la ricompensa desiderata e negata. Qui è soltanto il momento in cui si manifesta l'effetto di Beatrice sugli altri: nessuno aspetta più nulla da lei.
Il registro religioso. «Cosa venuta / da cielo in terra a miracol mostrare»: «miracolo» è parola del vocabolario cristiano. Si realizza così la donna-angelo, con una forza maggiore che in Guinizzelli, il quale usava il paragone e poi se ne scusava davanti a Dio; Dante non si giustifica.
Lo stile. È il manifesto della «dolcezza»: parole semplici e luminose (gentile, onesta, umiltà, soave), la ripetizione tanto… tanto, suoni morbidi, una sintassi quasi paratattica che segue il passo della donna. La filosofia che sta sotto (gentilezza, spiriti, effetti della visione) è assorbita, non esibita.
Una nota critica. Il tono di serenità perfetta è anche il limite del sonetto: Beatrice è idealizzata al punto da diventare un'immagine quasi senza corpo e senza storia, una donna «di pura funzione». Proprio da questo punto di perfezione Dante, come vedremo, riparte per rimettere in discussione lo schema.
6.6 Amore e 'l cor gentil sono una cosa
Nel capitolo XX Dante cita esplicitamente il suo maestro. Il sonetto Amore e 'l cor gentil sono una cosa si apre con la dichiarazione che «sì come il saggio in suo dittare pone» (cioè come il «saggio», Guinizzelli, mette in versi) amore e cuore gentile sono inscindibili «com'alma razional sanza ragione»: l'anima razionale e la ragione non si separano. Dante dichiara così, senza alcun imbarazzo, la dipendenza da Guinizzelli: la Vita nova è la prima applicazione sistematica dei suoi canoni.
6.7 Il ripensamento: Dante giudica lo Stilnovo
Sarebbe un errore credere che Dante resti fermo ai canoni giovanili. Anzi, nelle opere successive li sottopone a una verifica:
In Inferno V Francesca da Rimini spiega la propria colpa con un verso che è una citazione quasi letterale di Guinizzelli: «Amor, ch'al cor gentil ratto s'apprende». Francesca usa la teoria stilnovistica come alibi: poiché il suo cuore è gentile, l'amore doveva per forza prenderla. Dante, il poeta che aveva scritto la Vita nova, mette ora in scena i rischi di una dottrina che identifica amore e nobiltà: può trasformarsi in un'autogiustificazione che scusa il peccato. È una delle più alte autocritiche della nostra letteratura.
Nel Convivio (IV) Dante riprende il tema della gentilezza (canzone Le dolci rime d'amor ch'i' solia) e la ridefinisce da pensatore più maturo: la nobiltà è un «seme di felicità» infuso da Dio, che si realizza nella virtù e non nella ricchezza o nella discendenza.
In Purgatorio XXIV Dante (nell'incontro con Bonagiunta) definisce il proprio stile con una formula divenuta celebre: «I' mi son un che, quando / Amor mi spira, noto, e a quel modo / ch'e' ditta dentro vo significando». La poesia nasce da un'ispirazione interiore (Amore «ditta dentro») e il poeta è colui che la trascrive con fedeltà. In Purgatorio XXVI Dante rende omaggio a Guinizzelli e, per suo tramite, a Arnaut Daniel: il cerchio della tradizione si chiude.
L'ultimo sviluppo è quello più importante: Beatrice, nella Vita nova, è un miracolo e la sua lode è il punto d'arrivo; nella Commedia diventerà la guida verso Dio. Il germe è già nella conclusione della Vita nova (cap. XLII), dove Dante dichiara di voler dire di lei ciò che non è mai stato detto di nessuna.
7. Bilancio critico: tre modi di intendere l'amore
Provenzali (fine XI – XIII sec.)
Dove nasce l'amore: dal desiderio e dalla bellezza della signora; si nutre di attesa.
La donna: signora superiore, spesso sposata, destinataria di un servizio feudale.
Il poeta: vassallo che attende mercé; poeta-musicista.
Pubblico: la corte, con le sue gelosie e le sue maldicenze.
Siciliani (1230 ca – 1250 ca)
Dove nasce l'amore: dagli occhi, e il cuore lo nutre (Giacomo da Lentini); è un fenomeno psicologico e naturale.
La donna: figura astratta, quasi senza storia.
Il poeta: funzionario-letterato che analizza la propria sofferenza; poesia da leggere, non da cantare.
Pubblico: la cerchia cortigiana e burocratica del sovrano.
Stilnovisti (1270 ca – 1300 ca)
Dove nasce l'amore: nel cuore gentile, con cui coincide per natura (Guinizzelli); è un processo di conoscenza (e di perdita, per Cavalcanti).
La donna: donna-angelo, mediatrice di perfezione; in Dante partecipe del disegno divino.
Il poeta: filosofo-amante che loda e che trascrive l'ispirazione interiore.
Pubblico: una piccola élite di «gentili» (donne e amici-poeti).
Il passaggio da un modello all'altro non è un progresso lineare: ognuno risponde alle esigenze di una società diversa (la corte feudale, la burocrazia imperiale, il comune con la sua cultura universitaria e mercantile). La poesia è lo specchio di queste trasformazioni.
8. Domande per la discussione e il lavoro in classe
Confrontate la definizione di amore di Giacomo da Lentini («Amor è uno disio che ven da core») con la tesi di Guinizzelli («Al cor gentil rempaira sempre amore»): che cosa è l'amore nell'uno e nell'altro? Dove nasce? È una mancanza o una pienezza?
Perché il passaggio dalla corte feudale alla cancelleria imperiale cambia la funzione del lessico feudale?
In Al cor gentil Guinizzelli ridefinisce la nobiltà. Quali rapporti vedete con il mondo sociale in cui scrive? Perché la poesia «per pochi» è comunque un fatto sociale?
Cercate in Donne ch'avete intelletto d'amore i versi in cui Beatrice è descritta negli effetti che produce. Perché Dante insiste sugli effetti più che sulla descrizione fisica?
Perché Dante, in Inferno V, fa citare a Francesca un verso di Guinizzelli? Che cosa rivela sul modo in cui Dante giudica il proprio passato poetico?
«Cavalcanti vs Dante»: confrontate l'amore come forza distruttiva (Donna me prega, i sonetti più «tragici») e l'amore come lode della Vita nova. Quale dei due vi sembra più moderno?
9. Glossario essenziale
Fin'amor: l'«amore perfetto» dei trovatori, fondato sul servizio alla dama.
Mercé: pietà, ricompensa che la donna può concedere all'innamorato.
Senhal: pseudonimo con cui il trovatore nomina l'amata senza svelarla.
Tenzone: dibattito poetico tra due o più poeti su uno stesso tema.
Sonetto: forma metrica di 14 endecasillabi (due quartine e due terzine), attribuita a Giacomo da Lentini.
Canzone: componimento di più strofe (stanze) con schema fisso, forma «nobile» della lirica.
Spiriti: nella fisiologia medievale, forze sottili che trasmettono sensazioni e movimento tra le parti del corpo; nei poeti del Duecento, simbolo delle facoltà dell'anima.
Gentilezza: nobiltà d'animo, indipendente da quella di sangue.
Lode: poesia di celebrazione disinteressata della donna.
Prosimetro: opera fatta di prose e versi alternati (come la Vita nova).
10. Per approfondire
Gianfranco Contini (a cura di), Poeti del Duecento, Milano-Napoli, Ricciardi, 1960: antologia fondamentale con commenti.
Mario Marti, Storia dello Stil Nuovo, Lecce, Milella, 1973.
Aurelio Roncaglia, «Sul 'divorzio tra musica e poesia' nel Duecento italiano», 1978.
Dante Alighieri, Vita nova, edizione a cura di Domenico De Robertis (Milano-Napoli, Ricciardi, 1980).
Per i testi della scuola siciliana e dello Stilnovo in rete: la banca dati del Corpus OVI dell'italiano antico e la Biblioteca Italiana.
